MOTETE

La llamada “ars anticua” está desarrollada por una escuela de París de canto religioso en Notre Dame hacia 1200, se trata de un término que se le atribuye posterior al momento debido a las notaciones utilizadas por esta escuela. Los compositores destacados son Leonin, y su sucesor Perotin, y ambos autores se relación con el origen del Motete, pues ambos introdujeron las denominadas “clausulae”, siendo Perotin quien las destino a ser alternativas y sustitutivas a las del compositor anterior. Con el tiempo se le introduce texto.

Además en momentos posteriores se vuelven composiciones independientes, y a causa de que se añadiesen palabras a las voces, además de ser clausulae sustitutivas e independientes, fueron denominadas como motetes.

Motete, proviene del francés “mot” y significa “palabra” y se aplica por primera vez a los textos franceses que fueron añadidos a lo conocido como duplum de una cláusula. Por otro lado se utiliza motetus para designar a la segunda voz de un motete, y cuando por ejemplo hay más de dos voces se denominan igual que en el organum ( triplum y quadruplum).

Durante el Barroco, el Motete se preserva, especialmente en el lugar que ha sido designado como su origen, y en donde la palabra fue introducida a “petits motets”, y se tratan de composiciones sacras las cuales solo tenían un acompañamiento, un bajo continuo; y por otro lado “grands motets” que incluían instrumentos hasta configurar una orquesta completa, y en el cual destaca un compositor francés Jean- Baptiste Lully, que incluía partes de solistas y corales. Además siguieron utilizando como en el renacimiento las obras semi-seculares en latín. En este siglo XVII, se mantuvo una cierta vigencia en Alemania y en Italia, y ya en el siglo XVIII aún se seguía utilizando la palabra que designaba algunas cantatas de estilo concertante.

En el caso alemán destaca Heinrich Schütz, escribiendo muchos motetes en una serie de publicaciones conocidas como Symphoniae sacrae, escritas en dos lenguas: latín y alemán. Pero también son de renombre las piezas escritas por Bach, motetes bastante largos con texto en alemán, siendo destacado los textos sagrados para coro y bajo continuo. Por ejemplo destaca lo que se conoce como “Pasiones motéticas” que el gran compositor Bach realizó.

Ejemplo de Motete de Jesu, Meine Freude del compositor Johann Sebastian Bach.

Bibliografía:

• Monografías. (2014). Investigación sobre el origen, evolución y desarrollo del Motete, Consultada el 2 de Diciembre de 2014, en http://www.monografias.com/trabajos85/origen-evolucion-y-desarrollo-del-motete/origen-evolucion-y-desarrollo-del-motete.shtml
• CASARES, E. (1977). “La música en el Barroco”. Oviedo: Universidad de Oviedo-Servicio de Publicaciones, 1977. ISBN: 84-600-1023-6.

Mª del Mar López de Atalaya 

Suite

El término suite hace referencia a la obra musical compuesta por varios movimientos breves, cuyo origen son distintos tipos de danza barroca.

La suite está considerada como una de las primeras manifestaciones orquestales de tipo moderno. Los pasajes de la suite se componían en la misma tonalidad, para mantener la unidad interna, pero otras veces, se presentaba un tema musical en diferentes danzas. Debido a esto, está considerado un antecedente de la sonata que tiene sus orígenes en el siglo XVII.

La suite tuvo su apogeo con autores como Händel o Johan Sebastian Bach durante el siglo XVIII. Al finalizar la época del barroco, la suite fue una forma musical muy sofisticada que mezclaba diferente tonalidades.

El número de piezas dentro de la Suite podría variar entre 4 y 9, aunque algunos, como el autor Händel, utilizaban algunas veces solo 3.

Dentro de la suite destacamos varios tipos de danzas principales, antecedentes como he dicho de las sonatas modernas:

-La Allemanda, en compás de 4 o 2 tiempos.

-La Corranda, de movimiento generalmente vivo, en compás en este caso de 3 tiempos.

-La Giga, igual que la Corranda de movimiento vivo, en compases de 3, 6, 9 o 12 octavos.

-El Doble, que sólo es la repetición ornamentada del movimiento precedente.

-La Gavota, movimiento moderado, y se presenta habitualmente en compás de 4 tiempos.

-El Rondó, de carácter ligero, movimiento rápido, de origen francés y pieza predilecta en la construcción de la Suite. Formado por una serie de estrofas y que se alternan con un estribillo.

-La furlana, movimiento vivaz, pero con un carácter típicamente rústico en compás de 6 tiempos con la misma forma musical que tiene la Corranda.

 

 

 

Carlos Sánchez Talaya

Cantata Barroca

El término cantata, según la Real Academia Española la define como una composición poética de una determinada extensión, es decir,  es una pieza musical escrita para una o más voces solistas con un acompañamiento musical,  generalmente en varios movimientos y en ocasiones con un coro.

En un principio, el término significó únicamente una pieza para ser cantada y aparece por primera vez en 1620 de la mano de Alessandro Grandi (colaborador de Monteverdi).

En sus comienzos, el término cantata se refería para designar composiciones musicales muy diferentes, escritas por lo general para una sola voz, aunque solía haber excepciones, en donde encontramos cantatas con más voces.

Las primeras cantatas tuvieron lugar en Italia, en donde en estas academias italianas se empezaba a interpretar este tipo de composiciones. Destacar como característica principal, que los textos en los cuales tocaban solían tener un carácter profano.

De entre los destacados compositores que cultivaron este tipo de composición destacamos a muchos conocidos como Antonio Vivaldi, Tomaso Albinoni y sobre todo Alessandro Scarlati, este  último escribió más de 600 cantatas llevando a la perfección formal el aria da capo.

Además de Italia, Alemania fue otro lugar fundamental para el desarrollo de las cantatas y es  allí donde encontramos el compositor por excelencia.

El autor Johan Sebastián Bach, realizó en torno a 295 composiciones de extrema belleza, además, destaco por realizar una síntesis perfecta de toda la música vocal barroca, y por la expresividad que manifestaba toda su música.

Carlos Sánchez Talaya

Las formas solísticas del género instrumental de la música barroca

Como forma solística entendemos la obra que es interpretada por un único instrumento, en muchos casos de una forma casi improvisatoria. Suelen tener forma de rapsodia, muy ornamentadas, y de muy distintos compases y ritmos (desde lentos a muy vivos-prestos). Debemos destacar las Tocatas, las Fantasías y los Preludios.

• Las Tocatas.

Como ya hemos dicho, es una forma musical libre, de carácter variable, que puede ser interpretada por instrumentos de teclado o de cuerda. Nace en Italia a finales del s. XVI.

Es fácilmente confundible con el Preludio, utilizándose ambas formas indistintamente como introducción a la Fuga.

https://www.youtube.com/watch?v=NEKF08t3mW4

• Los Preludios.

Podemos definirlos como piezas musicales breves, sin ninguna organización interna concreta, y sirve de introducción a siguientes movimientos de la propia obra más importantes, como fugas y sonatas.

Nace de la costumbre de músicos en afinar los instrumentos antes de cada actuación (“calentamiento”); cosa que hoy en día por cierto se sigue realizando.

A partir del siglo XVII el Preludio se asociará a la Fuga con el renombrado compositor Johann Sebastian Bach.

https://www.youtube.com/watch?v=EWCaxCYnNpY

• Las Fantasías.

Forma libre caracterizada por su carácter improvisto e imaginativo. Son muy expresivas. Empero, sí que tendrán una pequeña organización interna proveniente de las bases de las sonatas, destacando la reexposición de temas.

https://www.youtube.com/watch?v=deNZCpBLrEk

JUAN PEDRO MUÑOZ CHICO

Bibliografía:

– CASARES, E. (1977). “La música en el Barroco”. Oviedo: Universidad de Oviedo-Servicio de Publicaciones, 1977. ISBN: 84-600-1023-6.

– NAVARRO, F. (1997). “La música Barroca y Prerrománica”. Enciclopedia Salvat de los grandes compositores, Tomo I. Pamplona: Salvat, 1997. ISBN: 84-345-9701-2 (T.I).

El Concerto Grosso Barroco

El concerto grosso tuvo su origen en las últimas décadas del siglo XIX, e incluso, su creación se atribuye a Alessandro Stradella. Sin embargo, el compositor más reconocido de este tipo de concierto es Arcangelo Corelli.

El concerto grosso es la forma de música instrumental más importante del barroco, en la que se produce un contraste y alternancia entre los concertinos, grupo de solistas, y los tutti, el resto de la orquesta, en la interpretación de la obra.

En cuanto a la forma instrumental, distinguimos entre el concerto grosso compuesto por cuatro violas, y el concertino, conformado por dos violines y un bajo.

Además, en el concerto grosso suele haber una parte que se repite, ritornello, como una especie de estribillo, y tres movimientos: rápido-lento-rápido.

En tiempos de Corelli se distinguían dos tipos distintos de concerto grosso: concerto da Chiesa, el concierto de iglesia, más formal donde se alternaban secciones lentas con rápidas, y el concerto da camera, concierto de cámara, compuesto por un preludio y varios tipos de movimientos de danza.

Otros autores importantes y relacionados con el concerto grosso fueron Georg Friedrich Händel y Johan Sebastian Bach.

Elena Romero Cabrera.

La Sonata Barroca

Originalmente en Italia se conoció bajo el nombre de sonata a una pieza para uno o más instrumentos que se hacían »sonar», generalmente instrumentos de cuerda y de viento. Por otro lado se llamaba toccata a una pieza que para ellos se »tocaba», caso del piano o teclado. En su origen las primeras sonatas constaban de un número variable de instrumentos y de movimientos en cada pieza.  Más tarde se estandarizó el término para obras en que aparecía un solista principal, generalmente acompañado de un bajo continuo que sostenía las armonías, constituido habitualmente por violoncelo y clavecín, aunque también con otras variantes.

Generalmente se suelen utilizar otros términos distintos al de sonata para identificar aquellas obras que presentan la misma disposición pero que están compuestas por otras combinaciones instrumentales, ejemplo de ello son:

• Sinfonía ➙ Sonata para orquesta.
• Concierto ➙ Sonata para un instrumento solista.
• Cuarteto de cuerdas ➙ Sonata para cuatro instrumentos de cuerda o cuarteto.
• Cantata ➙ Sonata formada por una composición vocal con acompañamiento instrumental.
• Ópera ➙ Sonata de aire dramático en la cual se canta todo o parte del diálogo al mismo tiempo que aparecen acompañamientos instrumentales.

Podemos nombrar como obras cumbres de este género, tanto por su expresividad como por el tratamiento de la parte clave, las sonatas de Bach.

José Leandro Ortega Pérez

El Oratorio Barroco

El oratorio es una forma de la música clásica europea que consta de coros, arias y recitativos, interpretado por solistas, coro y orquesta.

El oratorio es casi idéntico a la ópera, lo que diferencia a un género de otro es que el oratorio es interpretado en forma de concierto sin representación escénica, más conservador, con más énfasis en los coros y con una temática religiosa, aunque también nos encontramos oratorios con temática no religiosa y escritos en lengua vernácula.

Podemos distinguir entre el oratorio temprano con dos partes y donde la música acompañaba al sermón, y el oratorio alemán luterano basado en los textos bíblicos, donde destaca la Pasión de Jerusalén.

Durante el siglo XVIII, Italia fue uno de los centros de creación de oratorios, mientras que en Alemania siguió un desarrollo independiente en forma de responsorial e historias con comentarios y meditaciones y temas limitados a la Semana Santa y Navidad.

Entre los autores destaca Pietro Metastasio o Giovanni Battista Martini en Italia, mientras que en Alemania destaca Schütz (Pasiones según San Lucas) o Johann Sebastian Bach con sus pasiones, llegando a la culminación del oratorio alemán. Por último en Gran Bretaña destaca Georg Friedrich Händel que escribió Mesías o Esther, además de otros oratorios con temas mitológicos griegos y romanos, y textos bíblicos.

Imagen de la partitura de «El Mesías» escrita por George Friedrich Händel.

Elena Romero Cabrera.

La ópera en el Barroco

La ópera se conforma como una obra teatral cuyo texto se canta con acompañamiento de una orquesta. No obstante este término es más amplio y acaba designando a todo el conjunto de elementos que se da en la actuación: la obra, el poema destinado a la representación, el género musical que agrupa estas obras, a la propia música típica de este género y al teatro donde se representa.

La ópera surge en el periodo artístico denominado »Barroco», concretamente la ópera barroca abarca desde principios del siglo XVII hasta mediados del XVIII.

Es difícil definir las características que representan a este género musical, en parte porque sufre una evolución de las formas continuamente. De esta manera las óperas de los inicios del Barroco, poco tienen que ver con las de sus últimos momentos.

La ópera barroca nacerá en el seno de los palacios, de la mano de nobles y aristócratas que en un primer momento acaparan este género, pero que paulatinamente se va extendiendo con la construcción de los teatros por parte de empresarios.

Otro de los elementos por los que se conoce la ópera barroca es por la intrusión en ellas de varios personajes cómicos o bufos, con extraños ropajes llamativos que consiguen sacar carcajadas a la gente.

Por último, la ópera barroca tiene como principal objetivo, sorprender y maravillar al público, tanto por la escenografía como por el canto. Por ello destacamos la figura de los castrati que tanto se popularizan en este momento (Farinelli). En la escenografía también encontramos algunas similitudes con los aspectos artísticos del barroco, como la profusa ornamentación que causa inestabilidad en el público.

 

José Leandro Ortega Pérez