Se trata de una de las composiciones de la obra escrita por Bach, con dedicación a su segunda esposa, Magdalena, la cual según algunas investigaciones actuales se le atribuye la composición de algunas obras, aunque no todos los investigadores tienen la misma concepción y hay posiciones enfrentadas.
Aquí os dejamos a una gran pianista interpretando la pieza correspondiente:
Aquí dejo una composición de Bach. Un preludio que cobro bastante importancia en el Romanticismo, cuando Shubert lo utilizó como base musical para su Ave María
La llamada “ars anticua” está desarrollada por una escuela de París de canto religioso en Notre Dame hacia 1200, se trata de un término que se le atribuye posterior al momento debido a las notaciones utilizadas por esta escuela. Los compositores destacados son Leonin, y su sucesor Perotin, y ambos autores se relación con el origen del Motete, pues ambos introdujeron las denominadas “clausulae”, siendo Perotin quien las destino a ser alternativas y sustitutivas a las del compositor anterior. Con el tiempo se le introduce texto.
Además en momentos posteriores se vuelven composiciones independientes, y a causa de que se añadiesen palabras a las voces, además de ser clausulae sustitutivas e independientes, fueron denominadas como motetes.
Motete, proviene del francés “mot” y significa “palabra” y se aplica por primera vez a los textos franceses que fueron añadidos a lo conocido como duplum de una cláusula. Por otro lado se utiliza motetus para designar a la segunda voz de un motete, y cuando por ejemplo hay más de dos voces se denominan igual que en el organum ( triplum y quadruplum).
Durante el Barroco, el Motete se preserva, especialmente en el lugar que ha sido designado como su origen, y en donde la palabra fue introducida a “petits motets”, y se tratan de composiciones sacras las cuales solo tenían un acompañamiento, un bajo continuo; y por otro lado “grands motets” que incluían instrumentos hasta configurar una orquesta completa, y en el cual destaca un compositor francés Jean- Baptiste Lully, que incluía partes de solistas y corales. Además siguieron utilizando como en el renacimiento las obras semi-seculares en latín. En este siglo XVII, se mantuvo una cierta vigencia en Alemania y en Italia, y ya en el siglo XVIII aún se seguía utilizando la palabra que designaba algunas cantatas de estilo concertante.
En el caso alemán destaca Heinrich Schütz, escribiendo muchos motetes en una serie de publicaciones conocidas como Symphoniae sacrae, escritas en dos lenguas: latín y alemán. Pero también son de renombre las piezas escritas por Bach, motetes bastante largos con texto en alemán, siendo destacado los textos sagrados para coro y bajo continuo. Por ejemplo destaca lo que se conoce como “Pasiones motéticas” que el gran compositor Bach realizó.
Ejemplo de Motete de Jesu, Meine Freude del compositor Johann Sebastian Bach.
Bibliografía:
Mª del Mar López de Atalaya
Bach fue hijo y nieto de Pastores Protestantes. Nace en Eisenach, Turingia el 21 de marzo de 1685 y muere en Leipzig, el 28 de julio de 1750.
Fue compositor, organista, clavecinista, violinista, maestro de capilla y cantor alemán del periodo del barroco, conocido por ser uno de los miembros más influyentes e importantes de la historia musical.
Desde pequeño Johan se veía un niño aplicado, serio e introvertido. Además de la música, sentía una viva inclinación por la lengua latina, cuya estructura rígida y lógica cuadraba perfectamente con su carácter.
Su vida comenzó en la música como organista en Leipzig, ciudad donde también compuso varías óperas. Trabajó en varias ciudades como Soran, Eisenhach y Frankfurt. En esta última ciudad compuso su “Pasión y Muerte de Jesús por los Pecados del Mundo”.
Fue un gran admirador de la música francesa, incorporando estas influencias a sus propias composiciones. Sus principales composiciones se consideran las más destacadas en la música clásica europea y de la música universal. Destacamos algunas de ellas:
-Conciertos de Brandeburgo: constituyen una colección de seis conciertos en donde Bach los presentó en 1721 en Brandeburgo.
-El arte de la fuga: compuesta entre 1738 y 1742, pero quedó inconclusa debido a su muerte. Formada por 14 fugas y cuatro cánones, todos sustentados en el mismo tema.
-El clave bien temperado: cinco preludios y fugas compuestos en todas las tonalidades mayores y menores de la gama cromática. No se conoce la fecha en la que fue compuesta (como muchas de las obras de Bach)
-Misa en si menor: 25 piezas que según investigadores son “parodias” (término que se refiere a un material original del autor reutilizado para realizar otra obra nueva). Se cree que la compuso en el año 1724.
Gracias a sus brillantes composiciones consiguió varios cargos importantes, entre los que destaca, el director de la música de las cinco iglesias más grandes de Hamburgo desde 1720 hasta su muerte. Una muerte que fue debida a un ataque de apoplejía, dejando a su muerte un valioso legado para la posteridad.
Carlos Sánchez Talaya
Se trata de un periodo que comprende el ultimo tercio del siglo XVI hasta mediados del siglo XVIII. Siendo un periodo tenso y crítico, pues la sociedad estaba viviendo una crisis económica, espiritual y religiosa, sobre todo a consecuencia de la separación de la Iglesia Católica.
Muchos de estos hechos, como el intento de la iglesia católica por mantener su hegemonía en Europa, también el levantamiento de una corriente protestante y el auge del poder de algunos reinos, les servirá la música de este momento para elogiar o dramatizar sus victorias o sus derrotas.
Se han realizado tres clasificaciones, y por ejemplo la musicología alemana distingue Frühbarock, el Hochbarock y el Schwundbarock, y que sería simplemente el Barroco inicial, medio y final; una misma clasificación que se observa en arte y literatura.
Por tanto el Primer Barroco, se extenderá desde 1580 al 1630 siendo una lucha contra la polifonía; el Segundo Barroco, que se extenderá entre 1630 a 1689, conocida también como la época del “bel canto”; y el Tercer Barroco de 1680 a 1730, en el que destaca como referente el estilo Concerto.
Se produce en este momento una serie de cambios, surgen abundancia de formas nuevas y compositores como Bach, Corelli, Couperin, Lully, Purcell, Vivaldi, Händel, entre otros. Además de formas musicales como la Opera. Cantata, Pasión, Oratorio, Suite, Sonata, Concerto, Fuga, etc.
Destacan estilos en la música barroca relacionados con los estilos nacionales como el italiano, francés y alemán. Y además estilos específicos como el español y el inglés.
El Barroco es uno de los períodos más creativos de la Historia de la Música, algo que evalúan por primera vez los románticos, basándose en el principio que D. W. Allen denomina como “culto a la personalidad”, siendo esta una de las primeras cualidades del Romanticismo y también el interés por el pasado.
Como principales características de este momento es el lenguaje musical y la actitud del artista:
El lenguaje musical durante el Barroco, tanto en los poderes políticos como en los religiosos, que lo utilizan o como forma de propaganda, de culto o de exaltación y diversión, y se observará que este período sufrirá una evolución sustancial. Se trata de un cambio decisivo en la Historia de la Música, pues se pasa de un lenguaje polifónico característica forma de componer en la era renacentista y se modifica a formas de componer mucho más extensas, y que se relaciona con el cambio en la actitud del artista.
“El hombre sensible del Barroco no es solo el espectador de la vida sino de sí mismo”. Siendo una afirmación clara que tiene este autor de ver la corriente del Barroco, pues se trata de un momento en el que se contempla la vida tal y como, es decir de forma realista, observando el contexto para conocer de mejor forma los hechos, teniendo una clara obsesión del tiempo. Por tanto la soledad y el pensamiento interior son características propias de esta corriente.Se ha de tener en cuenta también que el pensamiento y el arte del Barroco se definen como una forma contradictoria a lo que en ese momento se esta viviendo en el contexto socio- histórico, es decir es una forma reaccionaria a lo que estos autores están viviendo, como bien señala José Benito A. Buylla, profesor agregado de la Universidad de Oviedo “ El artista barroco, pintor, poeta o músico realiza en sus lienzos, versos y composiciones musicales, armoniosas contradicciones en oposición perfecta”.
Pauline Viardot, famosa maestra del «bel canto».
– CASARES, E. (1977). “La música en el Barroco”. Oviedo: Universidad de Oviedo-Servicio de Publicaciones, 1977. ISBN: 84-600-1023-6.
Mª del Mar López de Atalaya
El término cantata, según la Real Academia Española la define como una composición poética de una determinada extensión, es decir, es una pieza musical escrita para una o más voces solistas con un acompañamiento musical, generalmente en varios movimientos y en ocasiones con un coro.
En un principio, el término significó únicamente una pieza para ser cantada y aparece por primera vez en 1620 de la mano de Alessandro Grandi (colaborador de Monteverdi).
En sus comienzos, el término cantata se refería para designar composiciones musicales muy diferentes, escritas por lo general para una sola voz, aunque solía haber excepciones, en donde encontramos cantatas con más voces.
Las primeras cantatas tuvieron lugar en Italia, en donde en estas academias italianas se empezaba a interpretar este tipo de composiciones. Destacar como característica principal, que los textos en los cuales tocaban solían tener un carácter profano.
De entre los destacados compositores que cultivaron este tipo de composición destacamos a muchos conocidos como Antonio Vivaldi, Tomaso Albinoni y sobre todo Alessandro Scarlati, este último escribió más de 600 cantatas llevando a la perfección formal el aria da capo.
Además de Italia, Alemania fue otro lugar fundamental para el desarrollo de las cantatas y es allí donde encontramos el compositor por excelencia.
El autor Johan Sebastián Bach, realizó en torno a 295 composiciones de extrema belleza, además, destaco por realizar una síntesis perfecta de toda la música vocal barroca, y por la expresividad que manifestaba toda su música.
Carlos Sánchez Talaya
Originalmente en Italia se conoció bajo el nombre de sonata a una pieza para uno o más instrumentos que se hacían »sonar», generalmente instrumentos de cuerda y de viento. Por otro lado se llamaba toccata a una pieza que para ellos se »tocaba», caso del piano o teclado. En su origen las primeras sonatas constaban de un número variable de instrumentos y de movimientos en cada pieza. Más tarde se estandarizó el término para obras en que aparecía un solista principal, generalmente acompañado de un bajo continuo que sostenía las armonías, constituido habitualmente por violoncelo y clavecín, aunque también con otras variantes.
Generalmente se suelen utilizar otros términos distintos al de sonata para identificar aquellas obras que presentan la misma disposición pero que están compuestas por otras combinaciones instrumentales, ejemplo de ello son:
Podemos nombrar como obras cumbres de este género, tanto por su expresividad como por el tratamiento de la parte clave, las sonatas de Bach.
José Leandro Ortega Pérez
El oratorio es una forma de la música clásica europea que consta de coros, arias y recitativos, interpretado por solistas, coro y orquesta.
El oratorio es casi idéntico a la ópera, lo que diferencia a un género de otro es que el oratorio es interpretado en forma de concierto sin representación escénica, más conservador, con más énfasis en los coros y con una temática religiosa, aunque también nos encontramos oratorios con temática no religiosa y escritos en lengua vernácula.
Podemos distinguir entre el oratorio temprano con dos partes y donde la música acompañaba al sermón, y el oratorio alemán luterano basado en los textos bíblicos, donde destaca la Pasión de Jerusalén.
Durante el siglo XVIII, Italia fue uno de los centros de creación de oratorios, mientras que en Alemania siguió un desarrollo independiente en forma de responsorial e historias con comentarios y meditaciones y temas limitados a la Semana Santa y Navidad.
Entre los autores destaca Pietro Metastasio o Giovanni Battista Martini en Italia, mientras que en Alemania destaca Schütz (Pasiones según San Lucas) o Johann Sebastian Bach con sus pasiones, llegando a la culminación del oratorio alemán. Por último en Gran Bretaña destaca Georg Friedrich Händel que escribió Mesías o Esther, además de otros oratorios con temas mitológicos griegos y romanos, y textos bíblicos.
Imagen de la partitura de «El Mesías» escrita por George Friedrich Händel.
Elena Romero Cabrera.
Música en el Barroco 